In gesprek met Jeremy Deller over diens tentoonstelling voor kinderen
Voor Jeremy Deller zijn kinderen het ideale publiek: nieuwsgierig, eerlijk en enthousiast over creatieve chaos. De Britse kunstenaar heeft nu in Hannover een tentoonstelling samengesteld die kunst door de ogen van kinderen laat zien. Monopol Magazine ging in gesprek met hem.
De Britse kunstenaar Jeremy Deller creëert hij situaties, onthult hij historische verbanden en de geschiedenis van mentaliteiten in potsierlijke culturele kortere wegen en laat hij zien dat politieke kunst ook leuk kan zijn.
In zijn project “Acid Brass” liet hij een fanfare acid house spelen, om de historische staking van de Britse mijnwerkers tegen de regering-Thatcher te herdenken. Hij herschiep Stonehenge als springkasteel, werkte samen met KLF-zanger Bill Drummond en initieerde in 2015 een tekencursus waarbij popicoon Iggy Pop model stond voor naakttekeningen.
Jeremy Deller, twee jaar geleden publiceerde u het retrospectieve kunstenaarsboek Art is Magic, met als ondertitel: “Een kinderboek voor volwassenen”. Nu stelt u “Een tentoonstelling voor kinderen (en andere mensen)” samen in Hannover. Wat is uw interesse in kinderen en hun relatie tot kunst?
Ik denk dat kinderen van nature een goed publiek zijn voor kunst. Ze zijn heel ruimdenkend en ze geven niets om de waarde van een werk, de kunstgeschiedenis of de biografie van de kunstenaar. En omdat ze zich daar niets van aantrekken, zien ze kunst op een heel instinctieve, zuivere manier. Ze zijn gefascineerd door processen, door mensen die iets in elkaar zetten, door rituelen, door activiteiten.
Maar wordt hedendaagse kunst en vooral conceptuele kunst, waar jouw werk ook onder valt, niet beschouwd als kunst die bemiddeld moet worden? Als te intellectueel voor kinderen?
Maar dat is het niet! Over het algemeen vind ik conceptuele kunst heel aantrekkelijk voor kinderen. Kinderen zijn erdoor gefascineerd omdat het over chaos en wangedrag gaat. Het gaat over het verstoren van de werkelijkheid en het creëren van je eigen werkelijkheid, over je slecht gedragen en doen wat niet de bedoeling is. Veel vertegenwoordigers van de klassieke performancekunst uit de jaren zeventig – mensen als Marina Abramović – groeiden op met het kijken naar Charlie Chaplin, Buster Keaton of Laurel en Hardy op televisie, wat een grote invloed had op hun werk. Je eigen lichaam in onmogelijke situaties plaatsen, slapstick spelen met een wereld van pijn en chaos creëren in een omgeving waar iedereen zich goed gedraagt: dat is iets heel krachtigs. Kinderen begrijpen dit en dat is precies waarom ze gefascineerd zijn door hedendaagse kunst, omdat volwassenen zich daarin als kinderen gedragen. Kinderen en kunstenaars zijn geestverwanten. Voor mij zijn ze in ieder geval een heel goed publiek.
Ik vind conceptuele kunst heel aantrekkelijk voor kinderen. Kinderen zijn erdoor gefascineerd omdat het over chaos en wangedrag gaat
Hoe is het idee voor uw nieuwe tentoonstelling in Hannover ontstaan?
Christoph Platz-Gallus, de directeur van de Kunstverein, nodigde me uit omdat ik 25 jaar geleden een project deed voor de Expo in Hannover en de stad nu deze enigszins kromme verjaardag viert. Voor mijn performance “Has The World Changed or Have I Changed?” liet ik een clown over het terrein van de wereldtentoonstelling wandelen – van de bijbehorende videobeelden heb ik nu een nieuwe film gemonteerd.
Kijkt jouw clown naar de Expo door de ogen van een kind?
Op een bepaalde manier is hij dat ook. Hij is eigenlijk permanent in de war over de technologiepraat, hij hoort er niet bij en dat kun je zien omdat niemand anders zo gekleed is als hij. Het is vreemd hoe slecht iedereen gekleed is. Misschien filmde ik op een regenachtige dag, maar op de een of andere manier ziet iedereen er stom uit.
Welke kunstwerken zijn te zien in Hannover?
Ik heb een aantal bevriende kunstenaars uitgenodigd die al met kinderen hebben gewerkt of zich artistiek met hen hebben beziggehouden. Francis Alÿs is er met zijn meesterlijke videodocumentatie van kinderspelletjes uit alle delen van de wereld en we vertonen de beroemde film “The Course of Things” van Peter Fischli en David Weiss. Eva Rothschild presenteert een video waarin jonge mensen te zien zijn in een kamer met hun sculpturen en deze geleidelijk vernietigen; een absoluut verslavend werk! Roman Ondak’s “Measuring the universe” was ook erg belangrijk voor mij: zodra bezoekers de tentoonstellingsruimte binnenkomen, spreekt iemand ze aan en markeert hun grootte op de witte muur. Net zoals ouders thuis met hun kinderen doen om hun groei te documenteren. Het is een van die werken waarvan je denkt, verdomme, had ik dat idee maar gehad.
Lees het hele gesprek op Monopol Magazin
